Madonna con el niño y Santa Ana

El cuadro religioso Madonna con el niño y Santa Ana, también conocido como Virgen de los Palafrenieri, es una de las obras más famosas de Michelangelo Merisi da Caravaggio. La obra pertenece al periodo de madurez del artista y fue pintada entre 1605 y 1606. Se conserva en la Galería Borghese de Roma.

Referencia histórica

El cuadro estaba destinado a decorar el retablo de la capilla de la cofradía de los Palafrenieri, situada en la basílica de San Pedro. Durante un breve periodo, la obra del artista también se expuso en el Vaticano, en la iglesia parroquial de Sant’Anna dei Palafrenieri. Sin embargo, los clientes pronto abandonaron el cuadro, muy probablemente por la discrepancia entre la imagen de la Virgen María y los cánones tradicionales de la iglesia.

Más tarde, el cardenal Scipione Borghese compró la obra del maestro y pasó a formar parte de la colección de arte de la Galería Borghese. La obra de Caravaggio sigue formando parte de la famosa colección de la familia principesca, que también cuenta con otros cinco cuadros del pintor: El joven con una cesta de fruta, David con la cabeza de Goliat, Baco enfermo, San Jerónimo y Juan Bautista.

Tenemos los documentos que hablan del destino de la Virgen de los Palafrenieri. En particular, se sabe con certeza que el 8 de abril de 1606, el artista recibió un pago por su trabajo. Este hecho permite establecer con precisión cuándo se completó el cuadro.

Al mismo tiempo, aún no está claro por qué la congregación de la Curia papal decidió abandonar la obra de Caravaggio. Según una versión, los representantes del clero consideraron que la obra del artista carecía de la decencia adecuada, lo que no permitía que se expusiera al público en un lugar sagrado como un templo.

Análisis del trabajo

El tamaño del lienzo es de 292 x 211 cm. El óleo sobre lienzo fue encargado por la cofradía de los Palafrenieri. El artista se enfrentó a la tarea de iluminar un tema teológico muy importante, mientras que las imágenes bíblicas en la interpretación de Caravaggio aparecían extremadamente humanizadas. Así, la figura de Santa Ana, tradicionalmente la personificación de la gracia divina, es representada por el maestro como algo indiferente y desapegada.

Para crear la imagen de la Virgen María, se eligió el mismo modelo (cortesano) que en el cuadro Virgen de Loreto (o Virgen de los Peregrinos) que el artista pintó para la decoración interior de la Iglesia de San Agustín en Roma.

Sin duda, la imagen de la Virgen como una mujer normal era extremadamente atípica para aquella época, y tal vez esa interpretación aún hoy causa una impresión chocante en algunos espectadores. La Virgen María, con el niño Cristo en brazos, intenta pisotear la serpiente, símbolo del mal y del pecado original. Santa Ana, la madre de la Madre de Dios, tratada con gran reverencia en el mundo cristiano, parece una anciana arrugada, que observa indiferente lo que sucede. Las cabezas de los héroes están coronadas con finos nimbos, cuya luz divina cae sobre la serpiente. Tanto María como Cristo son representados descalzos, el Salvador aparece completamente desnudo, con el prepucio sin circuncidar, lo que es contrario a la tradición judía. Todo lo que hay en el fondo está en profunda sombra, sólo las figuras iluminadas de los personajes contrastan fuertemente con el fondo oscuro, lo que hace que parezcan enormes.

La glorificación de Santa Ana fue concebida como la idea principal de la obra, una imagen de culto destinada a evocar sentimientos de reverencia en el público. Y así se hace incomprensible por qué Caravaggio interpretó la imagen de la madre de la Virgen como una mujer antiestética, arrugada y envejecida

Giovanni Pietro Bellori, crítico de arte y biógrafo de los pintores italianos del siglo XVII, observó que un corsé que agarraba obscenamente y dejaba al descubierto el pecho de la Virgen María parece aún más chocante. Si se examina más detenidamente el escenario de la figura del pequeño Cristo, la posición de sus piernas, resulta evidente que él, junto con la Madre de Dios, pisotea la serpiente, que en sentido metafórico equivale al grado de sus poderes.

Los secretos del maestro

Gracias a recientes trabajos de restauración, se han encontrado cortes en la superficie del lienzo, que se consideran un rasgo distintivo de los cuadros de Caravaggio, un tipo de técnica que el pintor utilizaba en la creación de sus obras.

También se descubrió que inicialmente el nimbo sobre la cabeza de la Virgen María estaba al mismo nivel que la aureola de Santa Ana, patrona e intercesora de la cofradía de los Palafrenieri. Tradicionalmente se la representaba junto a la Madre de Dios, en el momento en que luchaba contra la serpiente, la encarnación de las fuerzas del mal. Además, como resultado de la limpieza de la imagen, la luminosidad de la paleta de colores ha aumentado mucho. Por ejemplo, se ha hecho claramente visible cómo la piel de la serpiente refleja los rayos de luz que caen desde arriba.

El autor: Caravaggio

Caravaggio (1571-1610), o Michelangelo Merisi, fue un pintor italiano considerado una de las principales influencias de la pintura moderna. Sus obras combinan una percepción realista del estado humano, tanto físico como emocional, con un uso dramático de la iluminación, que tuvo un impacto de desarrollo en la pintura barroca. Caravaggio utilizó la observación física cercana con un uso dramático del claroscuro, conocido como tenebrismo. Además, hizo del método un elemento estilístico dominante, oscureciendo las sombras y transfigurando a los sujetos con brillantes rayos de luz.

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