Amor sacro y amor profano

El óleo Amor sacro e amor profano es de Tiziano Vecellio. La obra data de 1514 y pertenece al primer periodo de trabajo del artista.

Referencia histórica

Los investigadores han llegado a la conclusión de que el cuadro Amor sacro e Amor profano fue creado por el pintor para Niccolò Aurelio, que era secretario del Consejo de los Diez en la República de Venecia. El escudo familiar de la fuente, realizado en forma de sarcófago, confirma la identidad del comisario. El cuadro estaba destinado a ser un regalo para un acontecimiento solemne: el matrimonio de Niccolò Aurelio con la joven Laura Bagarotto.

El historiador de arte británico Charles Hope, analizando el cuadro de Tiziano, afirmó en una de sus investigaciones (1976) que el lienzo representa a una novia con un vestido blanco. Junto a la protagonista están la diosa del amor Venus y el niño Cupido. Durante mucho tiempo, la controversia sobre el argumento de la obra no se calmó en los círculos de la crítica de arte, los expertos propusieron diferentes versiones, tratando de descifrar a quién se plasma exactamente en el cuadro.

A pesar de los intentos de llegar a un consenso, la cuestión del contenido ideológico de la obra y de las figuras centrales sigue siendo objeto de debate incluso hoy en día. El cuadro de Tiziano recibió el título actual de Amor sacro e Amor profano en 1693, lo cual puede no haber sido en absoluto la intención del artista.

Descripción de la obra

En el centro del lienzo hay dos mujeres sentadas en una estructura de mármol ricamente decorada con tallas. Externamente, la estructura se asemeja a una fuente decorada con bajorrelieves. Su forma sigue el contorno de un antiguo sarcófago romano. No está claro cómo entra el agua en la pila de la fuente, mientras que se puede ver un potente chorro que sale de un grifo de cobre en la parte inferior de la estructura, entre las dos figuras de mujeres. El escudo de armas de la familia de Niccolò Aurelio está grabado en la pared frontal del sarcófago.

El pintor ha representado a un niño entre las mujeres, con alas en la espalda, que muy probablemente representa la imagen de un pequeño Cupido, compañero de la diosa del amor carnal Venus. El niño está examinando cuidadosamente el agua, sumergiendo juguetonamente su regordeta mano en ella. La protagonista, a la izquierda, está vestida con un costoso vestido; su atuendo, según los investigadores modernos, se parece al de una novia, aunque los historiadores del arte de épocas pasadas afirmaban que las cortesanas también se parecían a ella. En la cabellera dorada se entreteje una ramita de mirto, cuyas flores se consideraban tanto un atributo sagrado de la antigua diosa Venus como un elemento indispensable en la imagen de una muchacha que entraba en el matrimonio.

La mujer del lado derecho, en cambio, aparece completamente desnuda, sus lomos están cubiertos por una sábana blanca y un enorme manto rojo cae sobre sus hombros. La heroína está sentada en el alféizar de la fuente, con una mano apoyada en una losa de mármol, y con la otra, levantada, sostiene un pequeño recipiente que emite humo. Lo más probable es que se trate de una lámpara de aceite de oliva, apagada con la aparición de los primeros rayos de luz de la mañana.

La mujer vestida se apoya en un gran cuenco, cuyo contenido está oculto bajo una tapa. Los investigadores se quedaron perplejos y propusieron varias versiones originales de lo que podría haber dentro del misterioso recipiente, aunque, por supuesto, no es posible comprender la verdadera intención del artista. En el siglo XX, a pesar de los desacuerdos iniciales, la mayoría de los expertos llegaron a un punto de vista determinado: basándose en el título de la obra, se decidió que la figura de la heroína vestida personificaba el amor celestial, y la desnuda, en consecuencia, el amor terrenal.

Las escenas grabadas en la parte frontal del sarcófago siguen siendo interpretadas de forma diferente por los investigadores. Por ejemplo, Edgar Wind, historiador de arte británico de ascendencia alemana, describe los bajorrelieves de la parte frontal de la estructura de mármol como Un hombre es derrotado, una mujer es arrastrada por el pelo, un caballo desbocado es llevado por las crines.

En el lado izquierdo, donde está sentada la mujer vestida, un paisaje montañoso se abre al público en el fondo del cuadro. La cima de la colina está coronada por edificios de piedra blanca, quizás un castillo o un pequeño asentamiento con una torre defensiva. Un poco más adelante, el artista ha representado dos conejos.

El paisaje del lado derecho del cuadro, que sirve de fondo a la figura de la chica desnuda, está ligeramente desplazado hacia abajo. Al fondo hay un pequeño pueblo junto al lago; entre los edificios se ve claramente un alto campanario con una aguja que apunta hacia arriba. En la orilla opuesta del lago, el pintor ha colocado las figuras de dos cazadores a caballo y de unos sabuesos que persiguen a una liebre. Cerca se ve a un pastor que conduce un rebaño de ovejas a un prado, así como a una pareja enamorada que se abraza.

Análisis del trabajo

La atención de los historiadores del arte se centra en la diferencia entre dos figuras femeninas. Una interpretación similar de las imágenes puede encontrarse en obras de la antigüedad. Así, Plinio el Viejo, el autor de la mayor obra enciclopédica de la antigüedad, mencionó en su monumental Historia Natural la obra del escultor Praxíteles, que talló en mármol dos imágenes de la diosa Venus, una de las cuales estaba vestida y la otra aparecía completamente desnuda.

Los protagonistas de Tiziano se parecen entre sí, pero a pesar de ello, son la personificación de conceptos completamente opuestos. La mujer de la derecha de la imagen es la encarnación de los valores eternos y la de la izquierda sirve de símbolo de la pasión y los deseos fugaces.

Entre las numerosas versiones expuestas por los críticos de arte sobre la verdadera intención de la obra de Tiziano, la más interesante es la hipótesis de que el lienzo del artista representa las imágenes de Paulina y Venus, dos heroínas de la popular novela renacentista Hypnerotomachia di Polifilo, cuya autoría se atribuye al monje dominico Francesco Colonna. El texto de un libro religioso y filosófico, saturado de ideas mágicas y ocultas, iba acompañado de numerosas ilustraciones; la primera edición salió en 1499.

Entre los investigadores, hay quienes creen con gran seguridad que Tiziano representó en su obra una alegoría del amor, el nacimiento de la descendencia y el matrimonio.

La filosofía hermética, claramente perceptible en la obra del pintor, se hace eco de las enseñanzas de Platón, que influyeron en el desarrollo del arte renacentista. Los ideales de belleza que se cantan en la imagen, así como los conceptos de naturaleza divina y terrenal, son igualmente aplicables tanto a la cultura cristiana como a la pagana. Si sigues la doctrina del neoplatonismo, la imagen del pequeño Cupido que sumerge juguetonamente su mano en el agua (símbolo de la fuente de la vida) personifica el amor, un estadio intermedio entre el cielo y la tierra (esta valoración de la obra de Tiziano la hizo Erwin Panofsky, historiador y teórico del arte germano-americano, en 1939).

En 2002 se realizó un análisis de rayos X del lienzo, se estudió la imagen en el espectro infrarrojo y ultravioleta, lo que permitió determinar los pigmentos que Tiziano utilizó para crear su obra maestra. Gracias a los trabajos de los investigadores modernos, se supo que la paleta incluía los distintos tonos: el blanco de plomo, el azulado (el color del mineral azurita), el amarillo de plomo-estaño, el rojo vivo y el amarillo ocre.

El autor: Tiziano

Tiziano Vecelli o Vecellio (1488/90-1576), conocido en español como Tiziano, fue un pintor italiano del Renacimiento, considerado un miembro esencial de la escuela veneciana del siglo XVI. Tiziano fue uno de los pintores italianos más versátiles, famoso entre sus contemporáneos como "El Sol entre las pequeñas estrellas" (recordando la última línea favorita del Paradiso de Dante). Trabajó en retratos, fondos de paisajes y temas mitológicos y religiosos. Sus métodos pictóricos, sobre todo en la aplicación y el uso del color, influyeron en otros pintores de finales del Renacimiento italiano y en las futuras generaciones del arte occidental.

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